Les 35 meilleurs nouveaux films sur iTunes en ce moment (août 2021)

Par

Coller Films Personnel

| 3 août 2021 | 17h24

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Un rapide coup d'œil aux meilleurs films sur iTunes vous dira que populaire n'est pas toujours synonyme de bon. Ce que nous vous donnons ici est une liste des

meilleur

de nouveaux films sur iTunes, ce qui est d'une importance primordiale car la location de VOD devient notre option de cinéma standard et nous nous installons tous pour une nouvelle normalité. Il y a des films de genre comme

Bizarre

Bacurau

abondent, mais nous recommandons également d'excellents films indépendants comme

Première vache

et des docs brillants comme

Le peintre et le voleur

—des films qui ont fait notre

Le meilleur de 2020

listes. Alors que 2021 avance, nous ajoutons certains des

le meilleur de l'année.

Nous savons qu'iTunes propose un énorme catalogue de films, mais ce guide devrait vous aider à trouver quelque chose de nouveau à louer ou à acheter que vous adorerez.

Vous pouvez également consulter nos guides des meilleurs films sur

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, et à

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. Ou visitez tous nos

Coller des guides de films

Voici les 35 meilleurs nouveaux films sur iTunes en août 2021 :

35.

Collectif

An:

2020

Réalisateur:

Alexandre Nanau

Étoiles:

N / A

Genre:

Documentaire

Évaluation:

Durée:

109 minutes

Regarder sur iTunes

Le documentaire d'Alexander Nanau se déroule comme une procédure si efficace, son accès si étonnamment libre, qu'on ne peut s'empêcher de commencer à douter des horreurs exposées. Comme trois saisons de

Le fil

adultéré en deux heures,

Collectif

commence au lendemain d'un incendie dans une discothèque à Bucarest en 2015, qui a fait 27 morts et près de 180 blessés, alors que les parents des victimes, à la fois ceux qui ont péri cette nuit-là et (beaucoup) de ceux qui sont morts dans les hôpitaux peu de temps après, commencent à se rassembler et comment le gouvernement roumain, de haut en bas, semble être au cœur d'un dysfonctionnement aussi tragique. Nanau nous montre une vidéo saisissante et claire de cette nuit, inébranlable et terrible, puis continue de ne pas détourner le regard alors qu'un groupe de journalistes commence à découvrir la corruption qui a conduit à tant de souffrances. Pendant ce temps, Nanau suit les survivants et les militants, puis le nouveau ministre de la Santé (après la démission de l'autre type pour incompétence flagrante), jeune et idéaliste, alors que le système écrase chaque pas moral qu'il essaie de faire, secoué de tous côtés par la propagande conservatrice et la classe bourgeoise, qui a longtemps profité de tant de mort et de misère. La cruauté et la perversion de la classe dirigeante roumaine ne devraient pas surprendre, pas plus que les résultats des élections qui clôturent le film, mais Nanau n'articule pas son drame autour de l'explication des méfaits et de la punition de ces méfaits. Il évite les interviews et les têtes parlantes pour une observation incisive, parfois si intime que cela ressemble à de l'empathie; il revient sans cesse sur les personnes vulnérables qui doivent endurer leur courage, leur peur et l'espoir marginal qu'elles nous procurent en faisant simplement leur travail. Ce n'est pas un témoignage de la puissance du journalisme, mais de sa nécessité, l'un des derniers bastions que la civilisation a contre la normalisation de ce cauchemar ici à la fin de l'histoire.

— Dom Sinacola

34.

Chasseur de monstre

An:

2020

Réalisateur:

Paul WS Anderson

Avec :

Milla Jovovich, Ron Perlman, Tony Jaa

Genre:

action

Évaluation:

PG-13

Durée:

103 minutes

Regarder sur iTunes

À partir de

Combat mortel

à la

Resident Evil

franchise, scénariste/réalisateur Paul WS Anderson s'est toujours avéré être le roi des adaptations de jeux vidéo. Il est capable de prendre des propriétés bien-aimées et de les transformer en récits divertissants qui résument leur philosophie et sont accessibles à la fois aux fans de la franchise et aux novices. Ce n'est pas différent avec le dernier film d'Anderson,

Chasseur de monstre

, adapté de la célèbre franchise Capcom. Il continue de créer des récits plus grands que nature qui sont tout simplement amusants.

Chasseur de monstre

commence avec le lieutenant Natalie Artemis (la toujours badass Milla Jovovich) à la tête d'une équipe de soldats dans le désert, à la recherche d'une escouade disparue qui a apparemment disparu sans laisser de trace. Le groupe est soudainement transporté dans un autre monde via un orage intense. C'est un endroit implacable, plein de monstres massifs à la recherche de sang. Quelle que soit leur puissance de feu, rien ne semble arrêter Diablos, une créature géante ressemblant à un tricératops, ou les Nerscylla, un méchant groupe d'araignées venimeuses de la taille d'éléphants. Les outils de violence de l'armée américaine sont rendus inutiles face à ces titans. Mis à part les monstres, le film s'aventure dans une comédie d'action entre copains, car une grande partie de l'histoire se concentre sur Artemis et le chasseur (artiste martial thaïlandais Tony Jaa) qui développent une relation – et comment ils dépendent les uns des autres pour leur survie. Ils rient, ils plaisantent, ils font des sacrifices les uns pour les autres. Jovovich et Jaa forment une équipe remarquable : l'alchimie entre les deux acteurs est une lumière attachante au milieu d'un film graveleux et violent où les humains sont empalés et mangés. Anderson ne s'appuie pas uniquement sur les monstres, mais crée de solides relations humaines pour encourager un engagement plus profond que prévu avec une adaptation de jeu vidéo.—

Mary Beth McAndrews

33.

Minari

Date de sortie:

12 février 2021

Réalisateur:

Lee Isaac Chung

Étoiles:

Steven Yeun, Han Ye-ri, Alan Kim, Noel Kate Cho, Youn Yuh-jung, Will Patton

Genre:

Drame

Évaluation:

PG-13

Durée:

115 minutes

Regarder sur iTunes

C'est un film particulier d'émerger comme le choix chaud de Sundance - dans le magnifique film de Lee Isaac Chung

Minari

, un couple coréen-américain avec deux jeunes enfants déménage dans l'Arkansas rural pour s'essayer à démarrer une ferme. Finalement, la grand-mère des enfants vient aussi vivre avec eux. Oh, et il y a un local qui crie des prières qui les aide. Cela ne crie pas exactement « choix chaud de Sundance », n'est-ce pas ? Mais la mise en scène de Chung, les performances dignes de récompenses de Steven Yuen et Will Patton, et la meilleure performance pour enfants depuis des années du jeune Alan Kim produisent un véritable chef-d'œuvre qui se répercutera bien au-delà de Park City. Chaque ligne, chaque mouvement, chaque plan contient des mondes de sens.

Minari

est une merveille, une étape cruciale dans la carrière brûlante de Chung et un récipiendaire très méritant des prix du public et du grand jury de cette année, qu'il a effectivement remportés. Parfois, tout le monde a raison. C'était clairement le meilleur film de Sundance 2020, et je doute que je verrai un meilleur film toute l'année.

—Michael Dunaway

32.

Porc

An:

2021

Réalisateur:

Michel Sarnoski

Étoiles:

Nicolas Cage, Alex Wolff, Adam Arkin

Genre:

Drame

Évaluation:

Durée:

92 minutes

Regarder sur iTunes

Dans la forêt à l'extérieur de Portland, le cochon d'un homme est volé. Rob (Nicolas Cage) est un fourrageur de truffes sorcier dont nous apprenons qu'il était un chef - un Baba Yaga étoilé au Michelin, un gastronomique Radagast - qui vend les découvertes de son cochon pour soutenir sa vie isolée. Ce qui suit n'est pas un thriller de vengeance. ce n'est pas un porc

Pris

Porc

, les débuts ambitieux du scénariste/réalisateur Michael Sarnoski, est un traité aveugle et mesuré sur la réponse masculine à la perte. Mettant en vedette Nicolas Cage dans l'une de ses permutations récentes les plus réussies, évoluant

Mandy

la force silencieuse de la nature à un volcan éteint de douleur croûteuse,

Porc

déniche de larges thèmes en flairant minutieusement les détails de son microcosme. L'autre élément composant ce terrarium du Pacifique Nord-Ouest, à part Rob et la connexion attachante de Brandy à la fourrure dorée, est le gars à qui Rob vend ses truffes, Amir. Le petit d'Alex Wolff

Succession

-esque business jerk est un paquet d'insuffisances déchiquetées, et seule la sagesse calleuse de Rob peut gérer une telle irritabilité. Ce sont des feuilles exceptionnelles l'une pour l'autre, des contrastes tonaux classiques qui partagent beaucoup sous la surface de l'âge. Ensemble, le couple recherche la victime du pignapping, ce qui les conduit inévitablement hors de la forêt et vers la ville. Là, ils entrent en collision avec le plus minable, celui de John Wick

Cuisine Confidentiel

genre de ventre d'industrie que vous pouvez imaginer, dans une série d'impasses, de soliloques et de regards étranges. C'est un peu intensifié, mais d'une manière oubliée et construite qui semble plus secrète que fantastique. L'écriture clairsemée et spacieuse permet à ses acteurs de combler les lacunes, notamment Cage. Là où certaines des expériences les plus fascinantes de Cage étaient basées dans

livraisons maniaques et visages expressionnistes

, ce qui semble l'intéresser maintenant, c'est le contraire : Silence, immobilité, réaliste blessé et yeux baissés. Vous pouvez entendre Cage gratter la rouille de la voix de Rob, broyer les engrenages interpersonnels un peu comme le camion délabré qu'il essaie (et échoue) d'emmener en ville. Wolff, avec une grande partie du reste de la distribution, projette un intense désespoir de validation - un désir palpable de gagner la course de rat et

être

quelqu'un. Il est clair que Rob faisait autrefois partie de ce monde avant son exil volontaire, à l'abri des regards complices et des indices sociaux autant que des scénarios qui conduisent les chercheurs de porcs à travers les sous-sols et les cuisines. Partie de

Porc

Le charme percutant et émouvant de est sa retenue. C'est un monde seulement évoqué en 87 minutes, mais avec une rigueur émotionnelle satisfaisante. Nous regardons ce monde ne tourner que légèrement, mais tous les arcs dramatiques de la vie sont exposés. Un film triste mais pas méchant, et certainement pas pessimiste,

Porc

fait confiance à un public averti pour regarder au-delà de ses prémisses.—

Jacob Oller

31.

Moffie

An:

2021

Réalisateur:

Olivier Hermanus

Étoiles:

Kai Luke Brummer, Ryan de Villiers, Matthew Vey, Stefan Vermaak, Hilton Pelser, Wynand Ferreira

Genre:

Drame

Durée:

104 minutes

Regarder sur iTunes

"Moffie" est une insulte en afrikaans, utilisée pour décrire un homme gay. Pour ceux d'entre nous qui n'ont pas grandi en l'entendant, le terme peut se lire presque affectueux, ses syllabes douces suggérant une douceur. En réalité, il y a de la violence dans la parole, crachée avec cruauté. Cette tension imprègne le quatrième film d'Oliver Hermanus, considéré comme l'un des réalisateurs queer les plus en vue d'Afrique du Sud.

Moffie

raconte l'histoire de Nicholas Van der Swart (Kai Luke Brümmer), un jeune de 18 ans enrôlé dans son service militaire obligatoire en Afrique du Sud en 1981, alors que le pays était encore en proie à l'apartheid. Adapté du roman d'André Carl van de Merwe,

Moffie

raconte une histoire brutale avec des moments de beau répit. Malgré le barrage constant d'exercices terrorisants et le comportement des garçons de la fraternité, cependant, il y a de la tendresse, comme la connexion de Nicholas avec son coéquipier rebelle, Dylan Stassen (Ryan De Villiers). Un incident antérieur montre clairement à quel point il est dangereux d'exprimer toute sorte d'affection. En conséquence, même le plus petit geste d'intimité est chargé de tension. Bien que les jeunes hommes, représentés dans diverses formes de vêtements et de déshabillage, soient des soldats costauds, ils sont également vulnérables. Vous ne pouvez pas vous empêcher d'encourager silencieusement, même si votre cœur se brise un peu, lorsque Nicholas et Michael se lancent dans une interprétation en sourdine de "Sugarman", gloussant pendant qu'ils nettoient leurs fusils. Malgré tous les efforts de l'armée pour briser les jeunes hommes, leurs esprits semblent survivre. Malgré la lourde charge qu'il porte,

Moffie

est un film magistral. Hermanus et Jack Sidey ont co-écrit un scénario serré, avec des étendues de silences qui vous plongent dans les luttes internes de ses personnages. La cinématographie de Jamie D Ramsay va des plans langoureux des paysages accidentés et poussiéreux où les recrues effectuent des exercices sous le soleil brûlant à l'immédiateté de la misère de Nicholas et de ses camarades. Le casting, composé d'un mélange de lycéens, d'acteurs qualifiés et de non-professionnels, parvient à évoquer un chapitre de l'histoire sud-africaine que beaucoup aimeraient oublier.

Aparita Bhandari

30.

Loups-garous à l'intérieur

An:

2021

Réalisateur:

Josh Ruben

Regarder sur iTunes

Avec la sortie de son premier long métrage

Fais moi peur

l'année dernière, le réalisateur Josh Ruben s'est mis sur la carte de la comédie d'horreur avec son histoire sur des auteurs d'horreur racontant des histoires effrayantes. Avec

Loups-garous à l'intérieur

, Ruben prouve en outre ses compétences en tant que réalisateur qui sait parcourir cette ligne délicate entre l'horreur et la comédie, se déplaçant habilement entre les genres pour créer quelque chose qui n'est pas seulement effrayant, mais vraiment hilarant. La cerise sur le gâteau ? Il s'agit d'une adaptation de jeu vidéo.

Loups-garous à l'intérieur

est basé sur le jeu Ubisoft du même nom où les joueurs tentent de déterminer qui est le loup-garou ;

Mafia

mais avec des lycanthropes métamorphes. Contrairement au jeu, qui se déroule dans une ville médiévale, le film de Ruben se déroule plutôt de nos jours dans la petite ville de Beaverfield. Le garde forestier Finn (Sam Richardson) déménage à Beaverfield en mission après qu'un gazoduc a été proposé pour traverser la ville. Mais alors que la neige commence à tomber et que le soleil se couche derrière les arbres, quelque chose de gros et de poilu commence à chasser les citadins. Pris au piège dans le bed and breakfast local, c'est à Finn et à la postière Cecily (Milana Vayntrub) d'essayer de découvrir qui s'en prend aux gens un par un. Mais alors que les harengs rouges volent à travers l'écran comme un spectacle de dauphins dans l'aquarium local, cela semble presque impossible. Juste au moment où vous pensez avoir deviné le tueur, quelque chose déracine complètement vos théories. L'écrivain Mishna Wolff reprend l'idée de base (un loup-garou caché dans une petite ville où tout le monde se connaît) et la place dans un contexte encore plus étrange et contemporain pour emballer un punch encore plus drôle. Alors que les blagues ne cessent d'affluer

Loups-garous à l'intérieur

, Ruben et Wolff ne perdent jamais de vue les aspects horribles du film à travers de nombreuses frayeurs sanglantes et tendues et un sacré point culminant. Ce film plein de personnages exagérés, de hijinks ridicules et de plus de harengs rouges que vous ne pouvez en garder une trace est une excellente entrée dans le sous-genre terriblement petit des loups-garous.

Mary Beth McAndrews

29.

Nouvelles du monde

An:

2020

Réalisateur:

Paul Greengrass

Avec :

Tom Hanks, Helena Zengel, Bill Camp, Elizabeth Marvel

Genre:

Drame

Évaluation:

PG-13

Durée:

118 minutes

Regarder sur iTunes

Paul Greengrass et son partenaire scénariste Luke Davies ont peut-être adapté le roman Western de Paulette Jiles en 2016

Nouvelles du monde

au moins en considération partielle de la mesure dans laquelle les États-Unis

n'a pas

venir en tant que nation - à l'époque de la publication du livre, des phrases maudites telles que "fausses nouvelles" et "faits alternatifs" ont été introduites dans le langage populaire par des fascistes et des escrocs tentant d'en tirer une rapide sur le peuple américain. Ni ces termes, ni leurs cousins tout aussi grotesques, ne se retrouvent dans le film de Greengrass, mais l'esprit qui les a créés il y a quatre ans est bel et bien vivant dans sa reconstitution de la frontière américaine. Son héros est le capitaine Jefferson Kyle Kidd (Hanks), un vétéran de la guerre civile confédérée qui, s'étant tenu du côté des perdants de l'histoire, parcourt le Lone Star State et lit des journaux à l'extérieur de la ville aux habitants à chaque arrêt de ses voyages. . Le film ne demande pas exactement au spectateur d'ignorer de quel côté de la guerre Kidd se tenait: En fait, la vérité de ses anciennes allégeances devient d'autant plus inévitable qu'on en parle moins directement. C'est le Texas. Un ancien soldat du Texas n'aurait pu combattre que d'un côté de l'allée.

Nouvelles du monde

maudit Kidd sans avoir à dire un mot. Mais dès que le film le juge, il lui offre une chance de rédemption sous la forme d'une fille, Johanna (Helena Zengel). Zengel est une étincelle fraîche dans une production autrement démodée, mais démodé ici est un compliment.

Nouvelles du monde

n'a aucun intérêt à subvertir ou à mettre à jour les formules occidentales classiques : il se contente de sa fonction d'image de studio bien faite, construite ostensiblement autour de Hanks mais avec beaucoup de place pour que sa jeune star fasse sa marque. Ce qui modernise le film a plus à voir avec le contexte que le contenu. Quiconque est pris au piège de la servitude sous contrat des médias sociaux - Twitter, Facebook, Instagram ou pire, les comptes Twitter, Facebook et Instagram d'autres personnes - devrait apprécier ce sursis apaisant de deux heures du vacarme inévitable des éditeurs et des plateformes dans nos vies aujourd'hui. Il y a trop de nouvelles, que ce soit pour le meilleur ou pour le pire, et

Nouvelles du monde

essaie seulement de nous donner le meilleur.

—Andy Crump

28.

Sator

An:

2021

Réalisateur:

Jordan Graham

Avec :

Michael Daniel, Rachel Johnson, Aurora Lowe, Gabriel Nicholson, June Peterson

Genre:

Horreur

Évaluation:

Durée:

86 minutes

Regarder sur iTunes

Il y a quelque chose dans la forêt. Mais en même temps, il n'y a pas grand-chose. Un homme, une cabane et peut-être...

peut être

-quelque chose de plus.

Sator

, une horreur mumblecore quelque part entre un

La sorcière

Le projet Blair Witch

et Lovecraft, est un deuxième long métrage frappant de Jordan Graham. C'est le genre d'horreur qui échange les peurs du saut contre un espace négatif, celui qui s'ouvre avec des images que votre bête A24 typique enregistre pour sa finale.

Sator

Le dévouement de s à ses propres prémisses nuancées, son emplacement et son rythme tendu en font l'horreur rare qui est si esthétiquement bien réalisée que vous avez l'impression que vous pourriez ramper à l'intérieur et y vivre - si ce n'était pas si effrayant. Sator est un nom, une évocation, une entité. Il est d'abord décrit, par Nani (fin juin Peterson, excellent), comme un tuteur. Le Sator connu de Nani (quel qu'il soit) depuis longtemps. Le film représente les changements dans le temps et le transport physique vers des lieux imprégnés de souvenirs, avec un changement de rapport d'aspect et une palette en noir et blanc. La jolie écriture manuscrite de Nani est bien pratiquée depuis une vie d'écriture automatique, avec les mots - y compris certains des crédits d'ouverture de l'entreprise, ce qui est une bonne petite blague - se déversant de sa plume et revendiquant une source pas de ce monde. Cette même rivière paranormale coule jusqu'à son petit-fils Adam (Gabriel Nicholson), cet homme des bois susmentionné, dont la relation avec les voix dans sa tête est un peu moins confortable. C'est un film austère, audacieux, voire compatissant – qui offre des détails imparfaitement plantés d'une famille meurtrie et meurtrie en son cœur – avec beaucoup de choses à comprendre (ou du moins à théoriser) pour ceux qui sont assez courageux pour s'aventurer dans la forêt pour un rewatch. Aussi effrayant soit-il,

Sator

est une expérience avec suffisamment de couches et de savoir-faire pour que son appel séduisant résonne dans votre tête longtemps après l'avoir éteint.—

Jacob Oller

27.

L'homme vide

An:

2020

Réalisateur:

David Prieur

Étoiles:

James Badge Dale, Owen Teague, Stephen Root, Marin Irlande

Genre:

Horreur/Thriller

Évaluation:

Durée:

137 minutes

Regarder sur iTunes

Depuis le début, tout sur

L'homme vide

est trompeur. Son titre sonne comme le Bloody Mary-esque absolument terrible

L'homme au revoir

ou l'adaptation bâclée de

Homme svelte

, où des mecs effrayants de l'ombre trop longue se glissent sur certains adolescents idiots. Ces mauvais films de légende urbaine du lycée (que cette bande-annonce est coupée spécialement pour évoquer) ne s'éloignent généralement pas de la barre des 90 minutes. Même

Bonbon

, peut-être le meilleur et le plus ambitieux exemple de ce type de film, dure à peine 100 minutes.

L'homme vide

Le temps d'exécution de 137 minutes a clairement plus à faire que de tuer quelques enfants pour n'avoir pas été assez superstitieux. Plutôt que de tomber dans ce type traditionnel de stock schlock,

L'homme vide

suit un ex-flic troublé qui enquête sur les causes profondes d'un incident qui aurait pu être l'intégralité de l'intrigue de l'un de ces films. "Nous savions que nous ne faisions pas ce film et personne ne voulait faire ce film", a déclaré le scénariste/réalisateur/monteur David Prior.

frisson

. "Mais il s'avère que les personnes qui ont hérité du film voulaient ce genre de film." Il est logique que le complot paranoïaque de photos et de dossiers sans cesse en expansion et en spirale de

L'homme vide

peut avoir l'impression d'être aspiré dans le genre d'enfer capiteux et hyper-spécifique qui s'envenime dans le ventre de

Zodiaque

Se7en

Chasseur d'esprit

. Cette structure de thriller des années 70, dédiée à la trace écrite, se fond dans

L'homme vide

avec une horreur d'un autre monde (utilisée ici au sens littéral, par opposition à la terreur) esthétique dont la portée même se moque du travail de détective en cuir de chaussures du film. Mais même

L'homme vide

Le début de est un charmant petit film d'horreur à lui tout seul, un amuse-bouche mythologique se déroulant sur les sommets enneigés du Bhoutan où la scénographie et un jeu d'acteurs solidement naturaliste font peur. Super! Solide. Vendu. Et puis le film continue, comme pour littéralement dépasser vos attentes. Son récit évolue vers quelque chose de plus étrange et engageant. C'est comme

Une cure de bien-être

, un autre favori culte, dans son dévouement à empiler sur l'obsession et la répulsion hallucinogènes d'un enquêteur alors qu'il se retrouve soudain si profond que remonter - ou, peut-être, pour la première fois - s'avère impossible. La compréhension de Prior du ton et la subversion avisée de différents tropes de monstres modernes, aux côtés d'une performance stupéfiante et engagée de James Badge Dale, positionnent le film comme celui qui comprend et apprécie les films d'horreur de studio, mais a des choses beaucoup plus importantes en tête. Bref, ça règne.

Jacob Oller

26.

Bizarre

An:

2020

Réalisateur:

Christophe Landon

Étoiles:

Kathryn Newton, Vince Vaughn, Alan Ruck

Genre:

Horreur/Comédie

Évaluation:

Durée:

102 minutes

Regarder sur iTunes

À première vue, la perspective de ressusciter deux IP de franchise qui ont été sans cesse refaites décennie après décennie vacille sur le banal et sans imagination. Pourtant, le réalisateur Christopher Landon

Bizarre

tisse sans effort les conventions de

Horrible vendredi

vendredi 13

, évitant les limites du "remake", créant à la place un hybride de genre unique qui est lisse et divertissant à l'infini, tout en maintenant une conscience de soi intelligente qui anime les peurs et les punchlines du film sans tomber dans l'écueil de la comédie d'horreur de l'auto- métaness référentielle. Ce qui suit est un exercice comique de flexion binaire sur la fluidité sexuelle et l'expression de genre qui juxtapose la stature imposante de Vince Vaughn avec la petite silhouette de Kathryn Newton afin de pousser le genre d'horreur à la notion de qui est perçu comme faible, à la fois en attitude et en apparence. Vaughn et Newton donnent des performances stellaires, canalisant les manières de l'autre tout en se moquant de leurs propres limites corporelles et de leur (mal) confort immédiat dans leurs nouveaux vaisseaux. Il est réconfortant de voir que le genre de l'horreur, encore indéniablement dominé par les hommes, persiste dans son engagement à repousser les limites. Que ces frontières délimitent ce que nous sommes capables d'encaisser en termes de violence ou ce que nous sommes capables de déballer dans nos propres concepts internes de genre et de sexualité,

Bizarre

rejoint ces principes afin de créer une histoire d'horreur pleine de tueries inattendues et imaginatives tout en subvertissant les attentes de la société de qui nous devrions vraiment avoir peur - et pourquoi.

Natalia Keogan

25. Sainte Françoise

Date de sortie:

28 février 2020

Réalisateur:

Alex Thompson

Avec :

Kelly O'Sullivan, Ramona Edith Williams, Charin Alvarez, Max Lipchitz

Genre:

Drame, Comédie

Évaluation:

Durée:

106 minutes

Regarder sur iTunes

Kelly O'Sullivan, auteur et star de

Sainte Françoise

, comprend qu'aucun jugement n'est plus dur sur une maman que le jugement des autres mamans, que ce soit pour l'allaitement en public ou pour s'effondrer avec la dépression post-partum en privé. Elle comprend aussi beaucoup plus, car le film a beaucoup à l'esprit en plus des macro et micro-agressions que les femmes commettent sur d'autres femmes. Par exemple : les complications de grandir en tant que millénaire, de sortir avec un homme plus jeune, à quel point ça fait mal et à quel point ça fait mal de toutes les manières possibles, d'exercer son autorité sur son corps. Alex Thompson dirige

Sainte Françoise

avec une touche mousseuse, ajoutant une sorte de brise à chaque image, même lorsque le récit s'arrête dans les moments de désespoir humain. Le tournage décontracté pourrait être interprété comme une désinvolture pour le matériel du film, mais la direction de Thompson reflète intelligemment la qualité informelle de sa protagoniste, Bridget (O'Sullivan), une femme d'une trentaine d'années à la dérive dans la vie sans plan ni même une carte du ciel pour naviguer l'âge adulte. Elle est sans but, apathique, intérieurement consciente qu'elle veut plus et qu'elle est capable de plus, mais déconnectée de ce que signifie « plus » ou de la façon dont elle s'y prend pour l'obtenir. Enchaîner toutes ces pensées et idées en un tout cohérent est le travail le plus difficile de tous, et O'Sullivan et Thompson réussissent avec une abondance de charme et, mieux encore, sans jugement.

Sainte Françoise

devient spécifique, reste léger, mais frappe comme une tonne de briques émotionnelles.

—Andy Crump

24. peau de daim

Date de sortie:

20 mars 2020

Réalisateur:

Quentin Dupieux

Avec :

Jean Dujardin, Adèle Haenel

Genre:

Comédie, Horreur, Thriller

Évaluation:

Durée:

77 minutes

Regarder sur iTunes

Le christianisme compte parmi les signes de l'Apocalypse : la mort en selle sur un cheval pâle, des étoiles tombant du ciel, des rois cachés sous des rochers et sept anges faisant un vacarme de leurs trompettes. « Quentin Dupieux fait un film accessible » n'apparaît pas dans le

Livre des Révélations

, mais voilà, la mort abonde partout dans le monde, un astéroïde de 1,5 mille de large récemment dévalé par la Terre, et la dernière ode bizarro de Dupieux au cinéma,

Peau de cerf

, est projeté virtuellement tandis que les cuivres de l'hôte angélique restent silencieux. Jean de Patmos a tout faux. Hors contexte, « dupieux accessible » est oxymorique, comme « crevette géante », « doux-amer » et « conservateur compatissant », mais

Peau de cerf

, bien que tout aussi étrange que l'on puisse s'y attendre de la part du DJ-musicien électronique-cinéaste parisien, a du sens sans nuire aux qualités qui définissent l'œuvre de Dupieux. C'est tout à fait différent de tous les autres films bénéficiant actuellement d'une sortie VOD de dernière minute, étant un commentaire bien fait, fièrement étrange et indépendant du genre sur des thèmes allant de la vanité masculine d'âge moyen au cinéma indépendant nombriliste et égocentrique. Contrairement aux travaux antérieurs de Dupieux, à la

Caoutchouc

Tort

Réalité

Peau de cerf

La volonté de s'expliquer le moins possible est complétée par sa logique interne. Le plaisir que prend le film devant les excentricités du scénario est plus invitant qu'aliénant.

—Andy Crump

23.

Pays nomade

An:

2020

Réalisateur:

Chloé Zhao

Étoiles:

Frances McDormand, David Strathairn, Linda May, Swankie, Bob Wells

Score des tomates pourries :

94%

Évaluation:

Durée:

108 minutes

Regarder sur iTunes

Un regard dévastateur et profond sur les dessous du rêve américain, Chloé Zhao

Pays nomade

tourne le livre de non-fiction de Jessica Bruder

Nomadland : Survivre à l'Amérique au XXIe siècle

(et certains de ses sujets) en une chanson folklorique complexe sur la survie, la fierté et la beauté de se débrouiller sur la route. En se concentrant sur les Américains plus âgés qui ont d'une manière ou d'une autre abandonné ou ont été forcés de quitter leurs maisons traditionnelles stationnaires dans des camionnettes et des camping-cars, le film contemple tout ce qui les a amenés à ce point (un entrepôt Amazon laid et bondé domine les paysages autrement naturels du film et les vues panoramiques ) et tout ce qui les attend maintenant qu'ils sont là. Certaines des sources de Bruder font des apparitions dans le film, menaçant de voler la vedette à la fictive Fern (Frances McDormand) à chaque tour - et McDormand tourne dans l'un des

meilleures performances

de l'année. C'est à quel point Linda May et Swankie sont honnêtes et convaincantes. Alors que la communauté migrante se disperse au vent et se réunit partout où les emplois saisonniers apparaissent, Zhao crée une mosaïque compliquée de liberté barebones. C'est le vaste paysage américain – une « toile de fond merveilleuse de canyons, de déserts ouverts et de ciels violets » comme l'a dit notre critique – et cette promesse mythologique américaine que vous pouvez vous y débrouiller tout seul. Mais tu ne peux pas, pas vraiment. Les liens entre les nomades sont une réfutation rigide de cette idée individualiste, tout comme l'emprise financière d'Amazon sur eux est une damnation de la domination de l'entreprise. Les choses sont difficiles, alors que les compagnons de voyage de Fern racontent des histoires de suicide, de cancer et d'autres malheurs sur un feu de camp, mais ils en tirent le meilleur parti. Au moins, ils ont un peu plus de contrôle ici. L'optimisme acquis par un sentiment d'autonomie retrouvé est agréable à voir (et écrasant lorsqu'il entre en conflit avec ceux qui aspirent à un retour à la situation actuelle), même si son impermanence est inhérente.

Pays nomade

Le portrait majestueux de met en évidence les échecs ultimes d'un pays, ses poisons corrompus et ceux qui tirent le meilleur parti de leur position en ouvrant leur propre voie ensemble.

—Jacob Oller

22.

On-Gaku : notre son

An:

2021

Réalisateur:

Kenji Iwaisawa

Étoiles:

Shintarô Sakamoto, Ren Komai, Tomoya Maeno, Tateto Serizawa, Kami Hiraiwa, Naoto Takenaka

Genre:

Comédie, comédie musicale, animation

Évaluation:

Durée:

71 minutes

Regarder sur iTunes

Être un adolescent dans une ville de banlieue peut être extrêmement ennuyeux. Sans variété dans la routine, tout semble inutile. Mais alors, parfois, quelque chose apparaît qui bannit cette monotonie et insuffle de l'excitation dans une existence autrement ennuyeuse. Cette découverte peut être révélatrice ; la vie peut soudainement avoir un but. Dans le cas du trio de délinquants de l'incroyable premier long métrage de Kenji Iwaisawa, le film d'animation

On-Gaku : notre son

, ils découvrent la catharsis et le pouvoir de la musique.

On-Gaku : notre son

est la lettre d'amour du scénariste/réalisateur Iwaisawa au pouvoir de la musique et au manga du même nom de Hiroyuki Ohashi. Au fur et à mesure que le film progresse à travers ses numéros musicaux, Iwaisawa expérimente la forme (comme la rotoscopie expressive) car certaines chansons évoquent différentes émotions de ses personnages, qu'il s'agisse d'une chanson folklorique bienveillante ou d'un rocker primitif qui résonne dans la poitrine d'un auditeur. Contrairement au style visuel, la livraison comique phénoménale impassible rappelle les comédies animées américaines des années 90 comme

Beavis et Butthead

roi de la colline

. Kenji en particulier incarne ce ton, à travers à la fois la prestation de la ligne de la légende du rock japonais Shintarô Sakamoto et un design qui comprend un regard implacable, une fine moustache qui zigzague sur sa lèvre supérieure et sa tête chauve et brillante. Bien qu'il soit lycéen, la voix grisonnante de Sakamoto donne à Kenji l'ambiance d'un vieil homme fatigué qui a tout vu, alors qu'en réalité il n'est qu'un adolescent ennuyé qui fume trop de cigarettes et regarde trop la télévision. La propre passion d'Iwaisawa remplit la comédie paresseuse décontractée avec beaucoup de cœur et une magnifique variété de styles d'animation.—

Mary Beth McAndrews

21.

Mandibules

Date de sortie:

23 juillet 2021

Réalisateurs :

Quentin Dupieux

Étoiles:

David Marsais, Grégoire Ludig, Adèle Exarchopoulos, India Hair, Roméo Elvis, Dave Chapman

Genre:

La comédie

Évaluation:

Durée:

77 minutes

Regarder sur iTunes

Un scénario d'un réalisme magique réalisé comme à travers une déchirure de bong scuzzy, le réalisateur français Quentin Dupieux

Mandibules

suit deux amis fainéants (Grégoire Ludig, David Marsais) qui planifient de gagner rapidement de l'argent à gratter avec l'aide amicale d'une mouche domestique surdimensionnée. Bien que les films précédents de Dupieux tels que

Caoutchouc

Peau de cerf

ne craignant jamais les effusions de sang et la souffrance, son dernier effort est massivement défini par un sentiment de joie de vivre malgré une intrigue typiquement surréaliste et le désastre indéniable laissé dans le sillage de ses protagonistes. Les tendances comiques absurdes du cinéaste sont pleinement exposées, rendant

Mandibules

son film le plus étonnamment exubérant à ce jour. Bizarre mais jamais déroutant,

Mandibules

est une tragi-comédie superbement exécutée. La réaction oisive du couple à leur malheur ne fait qu'ajouter un autre vernis d'hilarité à l'intrigue déjà ridicule. Lorsqu'un cas d'erreur d'identité donne aux amis une chance de s'écraser dans une maison de vacances bougie sur la côte, l'insistance ridicule de leurs hôtes inconscients sur la politesse et les bonnes manières les fait paraître bien plus dérangés que les aspirants arnaqueurs et leur énorme mouche de compagnie. Surtout quand il s'agit d'Agnès (merveilleusement interprétée par Adèle Exarchopoulos, plus connue aux Etats-Unis comme la star des années 2013

Le bleu est la couleur la plus chaude

)—un résident avec un problème de contrôle du volume résultant d'un incident lié au ski qui

ne devrait pas

be funny, but certainly is—her insistence on adhering to textbook French civility despite a startling, brash tone indicates a certain commentary on an antiquated notion of politeness. Irreverent and heartfelt at once,

Mandibles

' comedic duo is part Cookie and King Lu from

First Cow

, part Dante and Randall from

Clerks

. They treat the animal which promises them profit with reverence while simultaneously acting in selfish, boorish ways totally unfit for polite society. Though Dupieux's films have never shied away from violence and destruction,

Mandibles

preserves the filmmaker's penchant for perplexity while asserting that life is a glorious thing—even in its distasteful weirdness.—

Natalia Keogan

20.

Together Together

Year:

2021

Directors:

Nikole Beckwith

Stars:

Patti Harrison, Ed Helms, Rosalind Chao, Tig Notaro, Fred Melamed, Julio Torres

Genre:

Drama, Comedy

Évaluation:

Runtime:

90 minutes

Watch on iTunes

Together Together

is an amiable, successfully awkward surrogacy dramedy that also has the respectable distinction of being a TERF's worst nightmare. That's only one of the tiny aspects of writer/director Nikole Beckwith's second feature, but the gentle tapestry of intimacy among strangers who, for a short time, desperately need each other certainly benefits from the meta-text of comedian and internet terror Patti Harrison's multi-layered starring performance. Stuffed with bombastic bit parts from a roster of recent television's greatest comedic talents and casually incisive dialogue that lays waste to media empires and preconceptions of women's autonomy alike, the film is an unexpected, welcome antidote to emotional isolation and toxic masculinity that meanders in and out of life lessons at a pleasingly inefficient clip. That the tale of fatherhood and friendship is told through the sparkling chemistry of a rising trans star and her entrenched, anxious straight man (an endearing Ed Helms) only adds to

Together Together

's slight magic.—

Shayna Maci Warner

19. She Dies Tomorrow

Release Date:

August 7, 2020

Director:

Amy Seimetz

Starring:

Kate Lyn Sheil, Kentucker Audley, Kate Aselton, Chris Messina, Jennifer Kim

Genre:

Drama, Comedy, Thriller

Évaluation:

Runtime:

84 minutes

Watch on iTunes

Amy (Kate Lyn Sheil), for inexplicable reasons, is infernally convinced that tomorrow's the day she's going to meet her maker. Making a bad situation worse, her confidence is catching: Through an eerie, fatalist game of telephone, her friends and family, and even total strangers with whom they interact, come to believe

they're

going to die tomorrow, too. It's almost like they've been gaslit, except they're the ones soaking themselves with lighter fluid, sparking off a chain reaction of macabre determinism in which each person afflicted by the curse of languages sees the end coming for them in 24 hours or less. Whatever force has Amy so assured of her impending doom, whatever entity has lodged in her mind pictures of her passing, director Amy Seimetz keeps its presence minimal. She's focused on outcomes and not on confrontations. There's no resisting death, after all. Everybody has to go sometime. Jason (Chris Messina), brother to Jane (Jane Adams), Amy's bestie, even says as much while washing the dishes with his wife, Susan (Katie Aselton), both of them having caught Amy's bummer pathogens from Jane when she crashes her sister-in-law's birthday dinner party. He glances at the window over the kitchen sink and sees the same sight as Amy just 20 minutes prior: vivid flashing lights, red and blue at first, then yellow, green, violet, each color interspersed with split second jolts of images that to the naked eye are best described as “uterine.” Jason's going to die tomorrow. Susan's going to die tomorrow. Seimetz and editor Kate Brokaw cut to Tilly (Jennifer Kim) and Brian (Tunde Adebimpe), Jason and Susan's dinner guests, smiling and crying as they, too, see the lights. Viewers will gravitate toward their own characters with whom they can identify, whether they're pissed or petrified. Mercifully,

She Dies Tomorrow

's exploration of inevitable human fate expresses more about death than angst and ennui. We're inclined to put off tomorrow because tomorrow guarantees a new round of soul-crushing devastation. Thinking about tomorrow, however, prepares us to resist the crush. Counting days inflicts only as much anguish as we allow. Maybe we'll die tomorrow.

—Andy Crump

18. Yes, God, Yes

Release Date:

July 28, 2020

Director:

Karen Maine

Starring:

Natalia Dyer, Timothy Simons, Francesca Reale, Wolfgang Novogratz

Genre:

Comedy, Drama

Évaluation:

Runtime:

78 minutes

Watch on iTunes

A Christian's hypocrisy is accurately measured by their piety: The louder they caterwaul about other people's sins, the more likely they are to have a closet packed with their own perversions. Karen Maine gets it. Her debut feature,

Yes, God, Yes

, adapted from her debut short of the same name, is glazed around a big, moist cake of sexual sanctimony. Fart-sniffing Christian holier-than-thou gossipmongers fall on the perceived weakling of their flock, young Alice (Natalia Dyer), accused of tossing salad even though she doesn't even know what the blue hell that means. Alice actually

est

innocent, unlike her peers. Her only wrongdoing isn't wrong at all: She stumbles onto an AOL chat room, catches a glimpse of some hardcore porn sans context, and then decides to start discovering her own body just before she's sent off on a retreat run by Father Murphy (Timothy Simons), a man with a necessarily wide smile, stretched so far that his face is primed to split but in danger of collapsing should he stop.

Yes, God, Yes

stitches Alice's coming of age to a culture where talking about coming is verboten; Maine looks for humor in her experiential screenplay and finds it, but it's a bleak kind of humor punctuated by hopelessness. If the authority figures in a society break the rules they set out for everyone else to follow, then navigating that society as a reasonable person is impossible. But Dyer's spirited work as Alice gives the film a plucky heart. Maybe she can't affect actual change here, but she can, at least, do right by herself. Dyer's star has risen in the last half decade or so, and

Yes, God, Yes

further validates her gifts as an actress. Maine lets the camera linger on Dyer's face when she's confronted with obscenity, and Dyer lets her eyes and mouth and cheeks perform hilarious, expressive gymnastics. At the same time, she conveys fear—the fear of realizing that the adults of Alice's life are all bullshit artists, the fear of having no one to confide in about her natural curiosities and urges—with wounded brilliance. She's the perfect actress to realize Maine's deft critique of religious sexual duplicity.

—Andy Crump

17.

Undine

Year:

2021

Director:

Christian Petzold

Stars:

Paula Beer, Franz Rogowski, Maryam Zeree, Jacob Matschanz, Anne Ratte-Polle

Genre:

Romance, Drama

Évaluation:

Runtime:

91 minutes

Watch on iTunes

Undine

opens as a rom-com might. A lilting piano score, not without a shade of sadness, purrs quietly during the title cards. A tearful break-up presages a quirky meet-cute between industrial diver Christoph (Franz Rogowski) and city historian Undine (Paula Beer), our new couple bound by the irrevocable forces of chance—and, in director Christian Petzold's own mannered way, a bit of physical comedy—as the universe clearly arranges for the pieces of their lives to come together. Squint and you could maybe mistake these opening moments for a

Lifetime

movie—that is, until the break-up ends with Undine warning her soon-to-be-ex (Jacob Matschenz) that she's going to have to kill him. He doesn't take Undine seriously, but the audience can't be so sure. Beer's face contains subtle multitudes. She could actually murder this guy. What once felt familiar now feels pregnant with dread. And that's saying nothing about Christoph's odds for survival. Anyone remotely familiar with the “Undine” tale knows that she's not lying to her ex. Undine is a water spirit, making covenants with men on land in order to access a human soul (as well as a tasteful professional wardrobe). Breaking that covenant is fatal. Or so the story goes. When she meets Christoph, she's revitalized, because she's heartbroken but especially because he takes such interest in the subjects of her lectures. He too is bound to the evolving bones of Germany, repairing bridges and various underwater infrastructure—he may, in fact, be more intuitively connected to the country than most. He's the rare person who's gone

beneath

it, excavating and reconstructing its depths, entombed in the mech-like coffin of a diving suit he wears when welding below the surface. As in all of Petzold's films,

Undine

builds a world of liminal spaces—of lives in transition, always moving—of his characters shifting between realities, never quite sure where one ends and another begins. Like genre, like architecture, like history, like a love affair—at the heart of his work is the push and pull between where we are and where we want to be, between who we are and who we want to be and what we've done and what we'll do, between what we dream and what we make happen. Dans

Undine

, Petzold captures this tension with warmth and immediacy. Many, many lives have brought us here, but none are more important than these two, and no time more consequential than now. My god, how romantic.—

Dom Sinacola

16.

The Father

Year:

2021

Director:

Florian Zeller

Stars:

Anthony Hopkins, Olivia Colman, Rufus Sewell, Mark Gatiss, Imogen Poots

Genre:

Drama

Évaluation:

PG-13

Runtime:

97 minutes

Watch on iTunes

The best line reading Anthony Hopkins gives during his monumental performance in Florian Zeller's

The Father

comes in the film's final scene, which is both a blessing and a king bummer. All anyone should want to do is live in that reading, sit awestruck at how Hopkins puts a name to the one thing that can assuage his character's anguish and stare grief-stricken in the knowledge that the one thing he needs is the one thing he can't have. The entire movie is an exercise in heartache, but it's this final piece of dialogue that punctuates the drama preceding it and finally releases the suffering roiling under its surface. Hopkins' character, also named Anthony, spends most of

The Father

fighting for his independence like a wolf cornered by hunters, stubbornly refusing to accept his clear mental deterioration and the need for professional help. His daughter Anne (Olivia Colman) has, as the picture opens, tried and failed several times over to find him a caregiver he'll take to—and given her announced intention to relocate to Paris, her search has gained in urgency. Anthony isn't pleased at her news. In fact, as they sit in his well-appointed London flat together, he gives her the business, expressing his opinion of her life plans with his canines bared. He's not happy. But deep down, in the parts of him that remain self-aware, he's mostly just afraid. Zeller has adapted

The Father

from his own award-winning play Le Père, and though he's left the material of the script untouched, he's transitioned to his new medium with subtle enhancements: Cinematographer Ben Smithard uses his lens as a screw gun, putting up figurative walls around Zeller's cast in addition to the literal walls of the set. Visual claustrophobia compliments spatial claustrophobia, trapping the viewer in the flat and, far more importantly, in Anthony's crumbling psyche. A simple open-concept apartment becomes labyrinthine through his point of view, and that's before supporting characters begin to wander about its halls and loiter in its doors, in and out of his perception, assuming they were even there to begin with. Similar to how the characters are there to serve Anthony, the supporting cast is there to serve Hopkins. The stage belongs to him. What he does with it is something special, an unmissable performance from an actor with a filmography loaded with them.—

Andy Crump

15.

In the Heights

Year:

2021

Director:

Jon M. Chu

Stars:

Anthony Ramos, Corey Hawkins, Leslie Grace, Melissa Barrera, Olga Merediz, Daphne Rubin-Vega, Gregory Diaz IV, Jimmy Smits

Genre:

Musical

Évaluation:

PG-13

Runtime:

143 minutes

Watch on iTunes

In 2018, director Jon M. Chu imbued the standard rom-com plot of his

Crazy Rich Asians

adaptation with classical Hollywood decadence, hanging it all on a framework of well-constructed cultural specificity. It was big, spectacular and embarrassingly novel for an American movie of its kind. Now, in 2021, we're getting Chu's version of

In the Heights

, the musical that put Lin-Manuel Miranda on the map (and won him his first Tony). It's incredible. The exciting electricity of a non-white blockbuster cast becoming superstars before your eyes, the maximalist style of a modern smash updating its influences, the intertwining of hyper-specific and broad themes—Chu's strengths and his cast soar, bringing

In the Heights

as high as it's ever been. It's the best Hollywood musical in years. Tracking a few sweltering days in New York's Washington Heights, the film meshes

Do the Right Thing

's hot summer tension with

School Daze

's teasing affection for its song-slinging genre. It just so happens that the corner we're on is the collision point for the intersecting lives and romances of two couples—bodega boss Usnavi (Anthony Ramos) and aspiring designer Vanessa (Melissa Barrera), and dispatcher Benny (Corey Hawkins) and recent Stanford dropout Nina (Leslie Grace)—who serve as the neighborhood's most vocal examples of those that life's rigged lottery left putting their patience and faith in a daily scratcher. There's no real pivotal struggle (especially not between Sharks and Jets, though wouldn't it be incredible if Steven Spielberg's

West Side Story

gave 2021 two great NYC musicals?) aside from the ever-present and myriad anxieties of Nth generation Americans living in a racist country. Yes, those familiar with the themes of Miranda's

Hamilton

will find a similar rhythm and thematic flavor here—though with the showtunes' style slipping into a salsa or bolero as easily as the rap bars dip in and out of Spanish—but with a purity of form and meaning that's lyrical critiques and observations are even sharper than those mired in the phenomenon's historical metaphor. In fact, almost all the songs are bangers that keep emotions high—you'll weep, you'll cheer, you'll hum the songs to yourself on the way out of the theater—bolstered by orchestration that, while restrained when limited to its lovers, explodes when the choruses finally incorporate the neighborhood at large. Head-bobbing bops and moving melodies match rhythmic editing and a vibrant, fittingly populous background that's constant choreography sustains the perpetual, organic flow of a community.

In the Heights

is great, and its greatness is amplified by the joy that it will inspire in theaters full of people for years to come.—

Jacob Oller

14.

Shiva Baby

Year:

2021

Director:

Emma Seligman

Stars:

Rachel Sennott, Molly Gordon, Polly Draper, Fred Melamed, Danny Deferrari, Dianna Agron

Genre:

Comedy

Évaluation:

Runtime:

77 minutes

Watch on iTunes

Marvelously uncomfortable and cringe-inducingly hilarious, Emma Seligman's

Shiva Baby

rides a fine line between comedy and horror that perfectly suits its premise—and feels immediately in step with its protagonist, the college-aged Danielle. Played by actress/comedian Rachel Sennott, already messy-millennial royalty by virtue of her extremely online comic sensibility, Danielle is first glimpsed mid-tryst, an unconvincing orgasm closing out her perfunctory dirty talk (“Yeah, daddy”) before she dismounts and collects a wad of cash from the older Max (Danny Deferrari). Though it's transactional, as any sugar relationship tends to be, Danielle seems open to discussing her nebulous career aspirations with Max, and he gives her an expensive bracelet—suggesting a quasi-intimate familiarity to their dynamic, even if the encounter's underlying awkwardness keeps either from getting too comfortable. As such, it's a smart tease of what's to come, as Danielle schleps from Max's apartment to meet up with her parents, Debbie (Polly Draper) and Joel (Fred Melamed, naturally), and sit shiva in the home of a family friend or relative. That Danielle's unclear on who exactly died is a recurring joke, and a consistently good one, but there's little time to figure out the details before she's plunged into the event: A disorienting minefield of small talk, thin smiles and self-serve schmear. You don't have to be Jewish to appreciate the high anxiety and mortifying comedy of Seligman's film, though it helps. Underneath all the best Jewish punchlines lies a weary acknowledgement of inevitable suffering; the Coen Brothers knew this in crafting

A Serious Man

, their riotous retelling of the Book of Job, and Seligman knows it in

Shiva Baby

. That the climax involves shattered glass, helpless tears and a few humiliations more marks this as one of the most confidently, winningly Jewish comedies in years.—

Isaac Feldberg

13.

Tenet

Release Date:

August 12, 2020

Directors:

Christopher Nolan

Starring:

John David Washington, Robert Pattinson, Elizabeth Debicki, Kenneth Branagh

Genre:

Action, Sci-Fi

Évaluation:

PG-13

Runtime:

150 minutes

Watch on iTunes

A classic Christopher Nolan puzzle box, at first glance

Tenet

is a lot like

Inception

. The central conceit that powers it is both cerebral and requires copious on-screen exposition. There's nothing inherently wrong with this. Nolan's films always have at least one person trying to get their head around what exactly is going on, and it makes sense the audience would be as confused as the Protagonist (John David Washington), especially early on. Also, as with

Inception

Tenet

is basically a series of heists—smaller puzzle boxes within the larger one—which means while the viewer may not understand exactly what's going on big picture, they

will

find the immediate action briskly paced and compellingly presented. Still, despite a compelling performance from Kenneth Branagh as antagonist Andrei Sator, the cerebral underpinnings and and even as the exact mechanics of this particular puzzle may demand more from the filmmaker than the audience, no amount of painstakingly crafted “time-inverted” action sequences nor Ludwig Göransson's sweeping score can fill that hole occupied by a sympathetic main character, which

Tenet

lacks. None of this rests on Washington. Past Nolan protagonists like McConaughey (

Interstellar

), Pearce (

Memento

) and DiCaprio (

Inception

) not only had actual names, they had relatable motives and discernible emotional arcs. And though personal growth and emotional depth are hardly necessary ingredients in a spy thriller—just look at Bond, classic Bond—with so much else about Nolan's script a mental exercise made real, some emotional stakes would be helpful to bring it alive. That might keep

Tenet

from the #1 slot on this year's Best Sci-Fi list, but it shouldn't keep lovers of the genre from seeing the only big budget science fiction to debut

dans

theaters in 2020.

—Michael Burgin

12.

The Paper Tigers

Year:

2021

Director:

Bao Tran

Stars:

Alain Uy, Ron Yuan, Mykel Shannon Jenkins, Roger Yuan, Matthew Page, Jae Suh Park, Joziah Lagonoy

Évaluation:

PG-13

Runtime:

108 minutes

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When you're a martial artist and your master dies under mysterious circumstances, you avenge their death. It's what you do. It doesn't matter if you're a young man or if you're firmly living that middle-aged life. Your teacher's suspicious passing can't go unanswered. So you grab your fellow disciples, put on your knee brace, pack a jar of IcyHot and a few Ibuprofen, and you put your nose to the ground looking for clues and for the culprit, even as your soft, sapped muscles cry out for a breather. That's

The Paper Tigers

in short, a martial arts film from Bao Tran about the distance put between three men and their past glories by the rigors of their 40s. It's about good old fashioned ass-whooping too, because a martial arts movie without ass-whoopings isn't much of a movie at all. But Tran balances the meat of the genre (fight scenes) with potatoes (drama) plus a healthy dollop of spice (comedy), to similar effect as Stephen Chow in his own kung fu pastiches, a la

Kung Fu Hustle

Shaolin Soccer

, the latter being

The Paper Tigers

' spiritual kin. Tran's use of close-up cuts in his fight scenes helps give every punch and kick real impact. Amazing how showing the actor's reactions to taking a fist to the face suddenly gives the action feeling and gravity, which in turn give the movie meaning to buttress its crowd-pleasing qualities. We need more movies like

The Paper Tigers

, movies that understand the joy of a well-orchestrated fight (and for that matter how to orchestrate a fight

well

), that celebrate the “art” in “martial arts” and that know how to make a bum knee into a killer running gag. The realness Tran weaves into his story is welcome, but the smart filmmaking is what makes

The Paper Tigers

a delight from start to finish.—

Andy Crump

11.

Another Round

Year:

2020

Director:

Thomas Vinterberg

Stars:

Mads Mikkelsen, Thomas Bo Larsen, Lars Ranthe, Magnus Millang

Genre:

Drama

Évaluation:

Runtime:

115 minutes

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In Thomas Vinterberg's new film

Another Round

, camaraderie starts out as emotional support before dissolving into male foolishness cleverly disguised as scientific study: A drinking contest where nobody competes and everybody wins until they lose. Martin (Mads Mikkelsen), a teacher in Copenhagen, bobs lazily through his professional and personal lives: When he's at school he's indifferent and when he's at home he's practically alone. Martin's closest connections are with his friends and fellow teachers, Tommy (Thomas Bo Larsen), Nikolaj (Magnus Millang) and Peter (Lars Ranthe), who like many dudes of a certain age share his glum sentiments. To cure their malaise, Nikolaj proposes putting Norwegian psychiatrist Finn Skårderud's blood alcohol content theory to the test: Skårderud maintains that hovering at a cool 0.05% BAC helps people stay relaxed and loose, thus increasing their faculty for living to the fullest. As one of the day's preeminent screen actors, Mikkelsen finds the sweet spot between regret and rejoicing, where his revelries are honest and true while still serving as covers for deeper misgivings and emotional rifts. Sorrow hangs around the edges of his eyes as surely as bliss spreads across his face with each occasion for drinking. That balancing act culminates in an explosive burst of anger and, ultimately, mourning. Good times are had and good times always end. Quoi

Another Round

demonstrates right up to its ecstatic final moments, where Mikkelsen's sudden and dazzling acrobatics remind the audience that before he was an actor he was a dancer and gymnast, is that good times are all part of our life cycle: They come and go, then come back again, and that's better than living in the good times

tout

the time. Without a pause we lose perspective on all else life has to offer, especially self-reflection.

—Andy Crump

10. Zombi Child

Release Date:

January 24, 2020

Director:

Bertrand Bonello

Starring:

Louise Lebeque, Katiana Milfort, Mackenson Bijou, Wislanda Louimat

Genre:

Drama, Horror, Thriller

Évaluation:

Runtime:

103 minutes

Watch on iTunes

What does and doesn't constitute cultural appropriation? Tracking down your classmate's mambo aunt and begging her, in between offering her wads of money, to cast a voodoo spell on your pretty boy ex? French filmmaker Bertrand Bonello's latest picture,

Zombi Child

, is half historical account, half racial reckoning—entirely ambitious, and equally as ambiguous. Bonello is white, just like Fanny (Louise Labeque), his bratty, lovesick protagonist, a student at the Légion d'honneur boarding school, which Napoleon established for the purposes of educating the daughters of men awarded the, well, the Légion d'honneur, and where entry remains a hereditary right. To her, voodoo is a means to an end, that end being that Pablo (Sayyid El Alami), her beau, has his soul bound to hers. To Katy (Katiana Milfort), a Haitian voodoo priestess, and to Mélissa (Wislanda Louimat), Katy's niece and Fanny's literary sorority sister, it's a spiritual discipline, an aesthetic and a way of life, rich with beauty but carefully marked by caution signs to keep practitioners from making decisions they'll regret.

Zombi Child

treats voodoo as a character in its own right, a living organism to be revered and not screwed around with. Naturally, Fanny's first instinct upon hearing of Mélissa's ancestry and her connection to voodoo is to try and screw around with it, as if voodoo is a class of magic in D&D rather than a set of syncretic religions practiced in the Dominican Republic, Haiti, Louisiana and Brazil. Mélissa tries educating Fanny and her friends on what voodoo means to her as the granddaughter of Clairvius Narcisse, on whose life

Zombi Child

is based: In 1962, Narcisse (played here by Mackenson Bijou), died, was buried, then returned to life as a zombie, meaning he was actually mickeyed with a melange that made him

seem

dead, buried alive, then dug up by plantation owners who forced him to harvest sugar cane as their stupefied thrall.

Zombi Child

isn't a horror movie. It does, however, take notes from horror grammar, and the audacity of Bonello's filmmaking is enough to inspire madness. But the heart that drives

Zombi Child

forward beats in the pursuit of cultural justice. The film wrestles with identity, and with whiteness especially, and with France's reputation as an icon of revolution alongside its unflattering reputation as a colonial power guilty of inhuman atrocities. The conclusions Bonello draws are inevitably vague, but the most important message is obvious:

That

's cultural appropriation.

—Andy Crump

9. The Whistlers

Release Date:

April 3, 2020 (US)

Director:

Corneliu Porumboiu

Stars:

Vlad Ivanov, Catrinel Marlon, Sabin Tambrea, Rodica Lazar, Agusti Villaronga

Genre:

Drama, Thriller, Comedy

Évaluation:

Runtime:

97 minutes

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Director Corneliu Porumboiu is no stranger to procedures or regulations, nor insensitive to the ways in which the strictures we impose on ourselves and others end up wrapping us up from within. His previous film, the documentary

Infinite Football

, allows his friend Laurentiu Ginghina time and cinematic space to explain the many modifications and new rules to enact in order to, he believes, completely revitalize the sport of football—all while exorcising the trauma of post-Communist Romania. The crime drama, then, is a genre particularly suited to Porumboiu's concerns, and his latest,

The Whistlers

, appears as much a pulp exercise as a stylish deconstruction of social order in all its forms, from the institutions of justice to the basic tenets of language. In it, laconic, mild-mannered cop Cristi (Vlad Ivanov) navigates an elaborate schema of criminal enterprise and double-crossing police to walk away with a life-changing amount of stolen drug money. The key to much of the film's convolution can be found on La Gomera, in the Canary Islands, where Cristi learns a native whistling language called

El Silbo

in order to clandestinely communicate with archetypal folks like Gilda (Catrinel Marlon), the girlfriend of Zsolt (Sabin Tambrea) who owns a mattress warehouse through which he'll abscond with money stolen from mob boss Paco (Augusti Villaronga), all while avoiding Police Chief Magda (Rodica Lazar), Cristi's boss and another remnant of Communist Romania left to her own self-serving motivations. Though Porumboiu recalibrates a typical neo-noir plot by playing with chronologies and perspectives, adding a dose of pitch-black humor to leaven the film's ostensible bleakness—and cinematographer Tudor Mircea's shots of the Spanish coast are something to behold—rather than amounting to placeholders lost in a twisty plot twisted for the sake of it, Porumboiu's many players

survive

the chaos. They are defined by it. We understand who these people are through the ways in which they struggle to escape the system. And by the time we've untangled the film's plot, we're offered a final moment of catharsis, a sense—after 90 minutes of state-sanctioned violence and depravity—of what freedom feels like.

—Dom Sinacola

8. The Painter and the Thief

Release Date:

May 22, 2020

Director:

Benjamin Ree

Genre:

Documentaire

Évaluation:

Runtime:

107 minutes

Watch on iTunes

Career criminal and addict Karl-Bertil Nordland lays his eyes on the oil canvas portrait painted by his most recent victim, artist Barbora Kysilkova, 15 minutes into Benjamin Ree's

The Painter and the Thief

, and then experiences a character arc's worth of emotions in about as many seconds: shock, confusion, bewilderment, horror, awe, then finally gratitude communicated through tears. For the first time in his adult life, maybe in

tout

his life, Nordland feels seen. It's a stunning portrait, so vivid and detailed that Nordland looks like he's about to saunter off the frame from his still life loll. Even a subject lacking his baggage would be just as gobsmacked as he is to look on Kysilkova's work. In another movie, this one of a kind moment of vulnerability might've been the end. Dans

The Painter and the Thief

, it's only the beginning of a moving odyssey through friendship, human connection and ultimate expressions of empathy. Ree's filmmaking is a trust fall from a highrise. Trust is necessary for any documentary, but for Ree, it's fundamental.

The Painter and the Thief

isn't exactly “about” Nordland and Kysilkova the way most documentaries are “about” their subjects, in the sense that the film's most dramatic reveals come as surprises to the viewer as much as to Nordland and Kysilkova themselves. The sentiment reads as cliché at a glance, but

The Painter and the Thief

argues that clichés exist for a reason. Think better of art's power, Ree's filmmaking tells us, but especially think better of each other, too.

—Andy Crump

7. The Other Lamb

Release Date:

April 3, 2020

Director:

Malgorzata Szumowska

Starring:

Michiel Huisman, Raffey Cassidy, Denise Gough

Genre:

Drama

Évaluation:

Runtime:

94 minutes

Watch on iTunes

The so-called “Shepherd” sends Selah (Raffey Cassidy) to the hills to deliver a newborn lamb. Instead, she returns with blood-stained hands and the wrath of an almost anthropomorphic ram, who—for the rest of

The Other Lamb

—follows her around, breathing heavily, angry horns in her face and stony eyes challenging hers. The horror of

The Other Lamb

accrues slowly. Director Malgorzata Szumowska is a master of world building; the film is told through cult member Selah's perspective, with the cult leader, the “Shepherd” (Michiel Huisman), existing as a more-or-less silent and cruel specter. Initially, the followers believe that only the male leader has the right to tell stories, but

The Other Lamb

skewers the male gaze. In the film, to see is to know—and to surveil. The leader organizes his all-women cult into two horrifying categories: Those who wear red frocks are forced to be his “wives” and the ones wearing blue are his “daughters,” many of whom, if not all, are his biological daughters (Szumowska obscures some of these details). He knows everyone's menstrual cycles, and he seems to always be lurking, trying to pluck the next daughter from childhood and make her his wife as soon as she begins her period. His favorite daughter, the pious Selah, however, begins to perceive his insidiousness and grows fearsome of the impending arrival of her period. As in Ari Aster's cult thriller

Midsommar

, viewers can find allusions to fascism and religious extremism in

The Other Lamb

, but the film is less interested in exploring the leader's obvious cruelty at length than it is concerned with Selah's inevitably gory pilgrimage. It's a resonant tale of a young woman who learns to reject the deeply patriarchal system in which she was raised, to carve out a narrative outside of the one she has been forced to believe.

—Isabella Bridie DeLeo

6. Never Rarely Sometimes Always

Release Date:

March 13, 2020

Director:

Eliza Hittman

Starring:

Sidney Flanigan, Talia Ryder, Sharon Van Etten, Ryan Eggold

Genre:

Drama

Évaluation:

Runtime:

95 minutes

Watch on iTunes

I keep thinking about the suitcase: Skylar (Talia Ryder) packs sweaters and a pair of jeans into an oversized travel bag (oversized, at least, for what is supposed to be a day-long trip). The next morning, Skylar and her cousin Autumn (Sidney Flanigan) board a bus from their hometown in rural Pennsylvania to New York City. When they get to Manhattan, the cousins take turns carrying the large bag, guarding it, rolling it on the sidewalk, lugging it up and down steep subway stairs. The pair has carefully planned a trip to New York so that Autumn can get an abortion without her mom (Sharon Van Etten) and stepdad (Ryan Eggold) knowing, since Pennsylvania requires parental consent for the procedure. The bag is the burden they carry;

Never Rarely Sometimes Always

—in emotive close ups, creating intimacy as if the viewer gets a chance to see the world through Autumn's often solemn, stoic gaze—chronicles Autumn's tortuous and convoluted path just to take agency over her body, studying the patience and perseverance that women often need to navigate the world. It's a film punctuated by waiting, for one appointment or the other, or for the promise of safety. There are, however, brief moments that remind audiences that Autumn and Skylar are just kids—playing arcade games, or enjoying the thrill of an unfamiliar city—and these scenes, provide, at least, glimmers of respite or perhaps windows into what life could be if like if they didn't have to work so hard for bodily autonomy.

—Isabella Bridie DeLeo

5. The Invisible Man

Release:

February 28, 2020

Director:

Leigh Whannell

Starring:

Elisabeth Moss, Oliver Jackson-Cohen, Harriet Dyer, Aldis Hodge, Storm Reid, Michael Dorman

Genre:

Horror, Mystery & Suspense, Science Fiction & Fantasy

Évaluation:

Runtime:

110 minutes

Watch on iTunes

Aided by elemental forces, her exquisitely wealthy boyfriend's Silicon Valley house blanketed by the deafening crash of ocean waves, Cecilia (Elisabeth Moss) softly pads her way out of bed, through the high-tech laboratory, escaping over the wall of his compound and into the car of her sister (Harriet Dyer). We wonder: Why would she run like this if she weren't abused? Why would she have a secret compartment in their closet where she can stow an away bag? Then Cecilia's boyfriend appears next to the car and punches in its window. His name is Adrian Griffin (Oliver Jackson-Cohen), and according to Cecilia, Adrian made a fortune as a leading figure in “optics” (OPTICS!) meeting the self-described “suburban girl” at a party a few years before. Never one to be subtle with his themes, Leigh Whannell has his villain be a genius in the technology of “seeing,” in

how

we see, to update James Whale's 1933 Universal Monster film—and HG Wells' story—to embrace digital technology as our primary mode of modern sight. Surveillance cameras limn every inch of Adrian's home; later he'll use a simple email to ruin Cecilia's relationship with her sister. He has the money and resources to peer into any corner of Cecilia's life. His gaze is unbroken. Cecilia knows that Adrian will always find her, and

The Invisible Man

is rife with the abject terror of such vulnerability. Whannell and cinematographer Stefan Duscio have a knack for letting their frames linger with space, drawing our attention to where we, and Cecilia, know an unseen danger lurks. Of course, we're always betrayed: Corners of rooms and silhouette-less doorways aren't empty, aren't

negative

, but pregnant with assumption—until they aren't, the invisible man never precisely where we expect him to be. We begin to doubt ourselves; we're punished by tension, and we feel like we deserve it. It's all pretty marvelous stuff, as much a well-oiled genre machine as it is yet another showcase for Elisabeth Moss's herculean prowess.

—Dom Sinacola

4. Heimat Is a Space in Time

Release Date:

2020

Director:

Thomas Heise

Évaluation:

Runtime:

218 minutes

Watch on iTunes

Sites of acknowledged historical significance—battlefields, museums or specific locations of importance—hardly seem to exist in the present tense; they live as cordoned-off spaces of reflection and contemplation, where a peaceful Now blankets a turbulent Then. Visitors who pass through know that the history that has happened in this space is so consequential it has caused time to stop, that nothing else can happen atop what has already taken place. The present cannot look forward. It must look back. Thomas Heise's

Heimat Is a Space in Time

, a three-and-a-half-hour first-person opus tracing his family's march through the troubled course of 20th century German and Austrian history, takes on the very sort of sensation described above, itself an isolated space for reflection on the past and an individual's power in a flawed society. Heise presents passions and tribulations of yesteryear matter-of-factly, as if they are evidence of a deterministic perspective suggesting, with ample evidence, that our lives and our choices are dictated by the systems that organize our societies. When Heise reads a correspondence between his mother, Rosemarie, and one of her first lovers, Udo—the couple separated by the East/West Berlin split—he presents their discussions dryly, as if he did not know either party. Heise emphasizes how these bureaucratic limitations exist ideologically and spatially, quite literally shaping the opportunities available to us: The world imposes rules at the whims of those in power, and suddenly people who were together are apart even while living in the same city. This is a history specific to Berlin, but

Heimat

also views this trajectory as universal, just another rise and fall and rise of governments and systems. Yet the personal stories of Heise's family, who remained in East Germany under the German Democratic Republic, inform this entire perspective, and its toll on the individual is never far from sight. The film, then, works as its own cordoned-off historical site: a plane of reflection on a past composed of stories specific and broad. Dans

Heimat Is a Space in Time

, the imprint of the past is so dense and enduring that its spectral qualities drift beyond the battlefields, beyond the monuments, barracks and documents, to dissolve into daily life.

—Daniel Christian

3. First Cow

Release Date:

March 6, 2020

Director:

Kelly Reichardt

Starring:

John Magaro, Orion Lee, Rene Auberjonois, Toby Jones, Ewen Bremner

Genre:

Drama

Évaluation:

Runtime:

121 minutes

Watch on iTunes

Kelly Reichardt's Oregonian ode to the human desire for comfort and friendship takes us back to the territory during the mid-19th century, when the economy of beaver pelts and gold rush hopefuls brought waves of migration to the area. A baker from Maryland, Otis “Cookie” Figowitz (John Magaro), finds himself amid a hostile group of fur trappers on the way to Oregon when he runs into King Lu (Orion Lee), a Chinese immigrant fresh on the run from scorned Russians. A fraternal bond between the two quickly materializes, and when a coveted dairy cow is brought to the territory by an English nobleman known as Chief Factor (Toby Jones), King Lu immediately recognizes that fresh milk combined with Cookie's baking expertise could give the duo a unique trade in an area where the predominant sweet is a bland concoction of water and flour crackers. And so, in the dead of night, King Lu and Cookie leave the small shack they share with a metal pail in hand, sneaking through the pasture until they reach the dairy cow. Reichardt makes no moral judgement on them for stealing; the irony is that Cookie and King Lu's act of theft is so small compared to the pillaging and exploitation that propelled America into an economic superpower in the first place.

First Cow

takes place when slavery was the main economic drive of the country, when Native Americans were facing genocide, when women were second-class citizens.

First Cow

will win most viewers over; it is funny in the most earnest way, with the beauty of friendship presented as the foundation of the film. Yet if the film wants to implore us to understand the essence of our species, its portrayal of burgeoning American capitalism is undoubtedly, jarringly, at odds with the nature of mankind.

—Natalia Keogan

2. Bacurau

Release Date:

March 6, 2020

Directors:

Kleber Mendonça Filho, Juliano Dornelles

Starring:

Bárbara Colen, Thomas Aquino, Silvero Pereira, Sônia Braga

Genre:

Drama, Science Fiction & Fantasy

Évaluation:

Runtime:

132 minutes

Watch on iTunes

Brazilian directors Kleber Mendonça Filho and Juliano Dornelle's

Bacurau

begins with a woman named Teresa (Bárbara Colen) being driven down a winding mountain road with sweeping swathes of lush greenery below. Suddenly, a splintered wooden casket appears in the middle of the asphalt. After the driver swerves to avoid it, there is another one. And another. Soon, broken caskets litter the entire road. The cause of the coffin calamity is revealed when Teresa sees that an open-back truck transporting caskets has collided into the mountainside, killing its passengers. The scene is oddly pleasant, though, as opportunists have quickly begun selling off the least damaged goods to a line of passersby, both seeming giddy about the exchange. Death is pervasive in the film, but it is often funny, and coincidentally Teresa is on her way to a funeral. Her grandmother—the beloved matriarch of Bacurau, a small Brazilian village where she grew up—has died. The entire town mourns her death, oblivious to the fact that their little village is slowly, literally, being erased from the face of the earth. Here, what has seemed like a horror film morphs into a weird Western that incorporates psychoactive flora, a seemingly benign history museum, and even an apparition or two. That's not even counting the UFO.

Bacurau

is wildly creative, and its hilarious, Dadaist aura provides an uncanny comfort despite ample bloodshed. This is not to say that it's without heart-wrenching loss and tearful contemplation of a world on fire. It's clear that there is no space for moral ambiguity in this film. In reality, the Amazon is ablaze, rampant inequality festers and indigenous populations are displaced all for the net benefit of the ruling class.

Bacurau

is a long overdue neo-colonial revenge fantasy.

—Natalia Keogan

1. The Assistant

Release Date:

January 31, 2020

Director:

Kitty Green

Stars:

Julia Garner, Matthew Macfayden, Makenzie Leigh, Kristine Froseth

Genre:

Drama, Thriller

Évaluation:

Runtime:

87 minutes

Watch on iTunes

The nameless, faceless boss hiding behind closed doors in Kitty Green's exceptional

The Assistant

can be easily read as a Harvey Weinstein stand-in. The truth is that Harvey Weinstein isn't or, now that he's in prison,

wasn't

the only man in the film industry with a habit of abusing his position and privilege by preying on women in his office, either through coercion or through brute force, he is, or was, the most notorious of them. So yes,

The Assistant

can be thought of as “the Harvey Weinstein movie,” but it really should be thought of as the best contemporary movie to act out patriarchal rape culture dynamics on screen. Regardless, take Weinstein out of your interpretation of

The Assistant

and the film will still throttle you slowly, packing suffocating pressure into each of its 87 minutes. Green's primary tool here is stillness: Static shots dominate the production, stifled frame after stifled frame, with the camera, manned by Michael Latham, often left hovering above Green's star, Julia Garner, as if he means to leave space for her unanswered silent prayers to hang over her head. She plays the title's long-suffering assistant, silent witness to her boss's bullying and wanton lasciviousness, helpless to stop it. She spends the film unraveling over the course of a day, confronting her complicity in his sexual predation with no tangible hope of ending the cycle. Because there is no hope in

The Assistant

, no chance the film's central evil will meet his punishment, or that the system built to facilitate his evil will collapse. What Green has done here is brutal and unsparing, but it's also flawlessly made and necessary.

—Andy Crump

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